Autore: La Redazione

In un’epoca in cui la musica è ovunque e accessibile in ogni momento, orientarsi tra le infinite proposte è diventato quasi un lavoro a tempo pieno. Ogni giorno piattaforme come Spotify, Bandcamp e YouTube ci propongono centinaia di nuove uscite, playlist aggiornate, debutti promettenti e ritorni attesi. Una ricchezza straordinaria, certo, ma anche una fonte crescente di confusione. Come distinguere ciò che davvero merita attenzione da ciò che è solo rumore di fondo?

In questo mare sonoro in continua espansione, la scena indipendente continua a offrire riflessioni autentiche, sperimentazioni coraggiose e una libertà creativa rara nel panorama mainstream. È proprio qui, lontano dai riflettori più abbaglianti, che spesso si trovano le voci più sincere, le idee più fresche e le storie più vere.

Abbiamo quindi deciso di fare un po’ di ordine, selezionando 10 uscite recenti che ci hanno colpito per originalità, forza emotiva o semplicemente per quella scintilla che rende un brano memorabile. Un piccolo faro in mezzo alla marea digitale, per aiutarti a scoprire qualcosa di nuovo, qualcosa che magari non sapevi di stare cercando.

Tra le prime uscite che hanno catturato la nostra attenzione, c’è senza dubbio il nuovo singolo di Amado: “Lucciole e ninfee”. Italo-brasiliano di nascita e di spirito, Amado fonde nella sua musica mondi solo in apparenza lontani: la malinconia introspettiva del cantautorato italiano incontra il respiro caldo e sensuale delle sonorità sudamericane, dando vita a una poetica personale, intima e luminosa. In questo brano, la sua doppia anima emerge con chiarezza: “Lucciole e ninfee” è una ballata notturna, sospesa tra luce e ombra, sogno e osservazione.

In un momento storico in cui progetti come i Selton — che avevano fatto del dialogo tra Brasile e Italia la loro cifra — sembrano in una fase di silenzio o trasformazione, e in cui lo sguardo della nuova scena musicale italiana si concentra sempre di più sull’identità locale e sulla ricerca etnografica (come fanno Massimo Silverio o Daniela Pes), è bello vedere qualcuno uscire dai confini senza per forza allontanarsene troppo. Perché se è vero che l’aria e i ritmi del Sudamerica attraversano la musica di Amado, è altrettanto vero che il legame con l’Italia — e con la sua Liguria in particolare — rimane fortissimo. Quasi che il viaggio, per lui, non sia una fuga ma un ritorno arricchito.

Un’altra uscita da non perdere arriva dai Not My Value, che con l’EP “dream – side a” inaugurano un progetto dal respiro ambizioso e dall’anima stratificata. Il titolo lascia già intuire una struttura narrativa: questo primo lato del “sogno” è solo un frammento di un discorso più ampio, che promette sviluppi futuri. Il duo gioca su atmosfere oniriche, tra shoegaze dilatato, elettronica emotiva e un certo post-rock in chiave italiana. Ma non c’è nulla di derivativo qui: la produzione è pulita, attenta, quasi cinematografica, e la scrittura sa essere diretta anche quando si muove tra simboli e stratificazioni.

Il sogno, per i Not My Value, non è evasione ma uno spazio fragile e profondo in cui cercarsi. “dream – side a” è un piccolo viaggio che si ascolta tutto d’un fiato, ma che invita a ritornarci, perché sotto la superficie morbida si nascondono vibrazioni sottili, frasi lasciate a metà, richiami da decifrare. Hanno un respiro internazionale, e non stupirebbe vederli affermarsi fuori dai confini italiani prima che qui. Siamo certi che un giorno li acclameremo “dalle retrovie”, quando faranno successo altrove. Ma noi che amiamo la musica possiamo portarci avanti e sostenerli già da ora — con convinzione.

Il titolo è semplice ma eloquente: About Dreams, il nuovo album del compositore Alberto Mancini, è un viaggio strumentale che esplora le pieghe più delicate dell’immaginazione. Composto da una serie di brani che si muovono tra minimalismo pianistico, suggestioni ambient e trame neoclassiche, il disco ha un respiro sospeso, quasi cinematografico, che trasporta l’ascoltatore in una dimensione di quiete e contemplazione. Ogni pezzo sembra raccontare un sogno diverso — non nel senso esplicito del termine, ma come stato interiore: fragile, mutevole, necessario.

In un tempo dominato dalla parola, dalla sovra-narrazione e dai concerti “fast food” da un’ora risicata a Milano, imparare ad ascoltare musica strumentale è quasi un atto radicale. Per questo teniamo spesso a consigliare musica di ogni genere, anche questa, in pagine che non sono meramente indie. Ascoltare un disco come questo significa stare, restare, ascoltare senza appigli didascalici, lasciarsi attraversare da emozioni che non hanno nome. Per chi è cresciuto con l’indie-pop e l’ansia del ritornello memorabile, About Dreams può essere una piccola rivoluzione: come iniziare a meditare, costringersi dolcemente a stare nel presente, dentro se stessi. E Mancini, con grazia e rigore, ci offre proprio questo spazio.

Con Black Lemonade, Galapaghost ci conduce in un mondo fragile, saturo di contrasti eppure incredibilmente coeso. L’EP — il suo lavoro più recente — è una raccolta compatta ma intensa di brani che alternano elettronica malinconica, beat ipnotici e melodie sussurrate, mantenendo sempre un equilibrio elegante tra accessibilità e sperimentazione. Qui il pop è solo un riferimento, un punto di partenza da cui scostarsi per cercare nuove forme di narrazione musicale.

Originario di Woodstock, con un background musicale e culturale molto diverso dal nostro, Galapaghost riesce però a toccare corde universali. La sua musica ci ricorda che dolore e grazia umana parlano la stessa lingua ovunque — basta accompagnarli con una chitarra. Anche nei momenti più cupi — come in Doomscrolling, uno dei titoli più espliciti — la scrittura resta misurata, quasi pudica. Galapaghost non grida, ma suggerisce. Non ti indica la direzione, ma ti accompagna. E in un periodo storico in cui tutto deve essere spiegato, etichettato, dichiarato, questa scelta di delicatezza suona come un atto di coraggio.

Dopo una lunga pausa, Riccardo Gileno torna con un nuovo EP che ha il sapore di un viaggio personale e silenziosamente coraggioso. From Beginning to End è un ritorno intimo e necessario, che si snoda attraverso sei brani delicati ma densi, costruiti con la calma e l’urgenza di chi ha qualcosa da dire — ma non ha bisogno di alzare la voce. La voce calda di Gileno, quasi sussurrata, si muove tra folk acustico e songwriting introspettivo, con un tocco internazionale che non cerca effetti, ma verità.

È un disco che parla di cose semplici e complesse allo stesso tempo: il passare del tempo, l’idea di casa, le attese, gli addii. E lo fa con una produzione minimale, quasi pudica, che lascia spazio al silenzio e all’imperfezione. Perché va bene anche fare musica che non cerca di imitare nessuno, che non vuole ingraziarsi algoritmi o classifiche. A volte serve solo esporsi, mostrarsi fragili e sinceri — sia con le parole, che con i suoni. In un panorama sempre più costruito, questo è già un atto politico.

Con nomi cose città, uscito il 18 aprile 2025 per Bradipo Dischi, Moretti firma il suo secondo lavoro discografico, confermando il talento di un autore capace di coniugare l’eredità dei grandi cantautori italiani con una sensibilità tutta contemporanea. In nove tracce, Moretti costruisce un universo narrativo che intreccia ironia e malinconia, leggerezza e profondità, in un equilibrio raro da incontrare oggi, in questi nostri giorni frenetici, dove i numeri e il successo spicciolo dei social ci costringe ed essere immediati, diretti, spesso banali, a costo della viralità di qualche secondo.

Fin dalle prime note è evidente il suo dialogo ideale con maestri come Roberto Vecchioni e Lucio Dalla (innegabile e apprezzata influenza): dai primi eredita la densità letteraria dei testi, dai secondi la capacità di raccontare storie personali trasformandole in emozioni universali. Ma nomi cose città non si limita a guardare al passato: è un disco profondamente radicato nel presente, nei nostri caffè solitari e nostalgici, nelle case dei fuori sede, nella solitudine intellettuale di chi si rifugia nella musica, capace di parlare la lingua di una generazione che ha perso ogni certezza ma che continua a cercare autenticità, bellezza, verità – in piccoli bagliori, come è questo disco..

Il linguaggio di Moretti è infatti diretto, quasi colloquiale, e riesce a rendere vivi anche i riferimenti più colti. Gli arrangiamenti sono volutamente essenziali: chitarre, qualche tocco di fiati, pochi effetti. Ogni suono sembra scelto con la cura di chi sa che l’emozione autentica nasce spesso dallo spazio vuoto, dal silenzio lasciato respirare. La produzione è calda e asciutta allo stesso tempo, analogica, coerente con il messaggio del disco: in un’epoca di perfezione artificiale e sovra-produzione digitale, Moretti preferisce un suono che si sporca, che traballa, che accoglie, che vive.

In questo senso, Moretti agisce come un moderno Pavese: racconta l’inquietudine, il bisogno di autenticità, la solitudine esistenziale che animava lo scrittore piemontese, ma lo fa con strumenti e sensibilità contemporanee. Come negli hipster di oggi, nella sua poetica si avverte la nostalgia di un passato forse mai esistito davvero, un culto del vissuto, dell’imperfetto, del non immediatamente consumabile. Non è un caso che anche tutta l’estetica visiva del progetto sia stata pensata per sottolineare questa coerenza: tutte le fotografie ufficiali di nomi cose città sono state scattate in analogico. Una scelta che va oltre il semplice stile vintage, diventando una dichiarazione d’intenti: cercare il vero, accettare il tempo dell’attesa, restituire dignità all’immagine imperfetta, lontana dai filtri e dalle patinature digitali.

In questo percorso di autenticità e indipendenza, Bradipo Dischi si conferma il compagno di viaggio ideale. L’etichetta milanese, lontana ancora una volta dalle logiche degli algoritmi e dalle ossessioni dei numeri che sembrano dominare la Milano musicale contemporanea, accoglie e sostiene un progetto che non chiede di essere consumato rapidamente, ma di essere ascoltato, vissuto, metabolizzato.

Tra i brani, spicca “Cesare“, uno dei singoli, omaggio delicato e struggente a Cesare Pavese. Un arrangiamento misurato, un sax che graffia senza sovrastare, parole che sanno essere leggere e pesanti allo stesso tempo: è forse il manifesto perfetto di un disco che non ha paura di mostrarsi fragile, complesso, profondamente umano.

Con nomi cose città, Moretti dimostra di essere una delle voci più interessanti e necessarie della nuova scena cantautorale italiana. Non per capacità di inseguire le mode, ma per quella, ben più rara, di costruire ponti solidi tra tradizione e presente, restituendo alla canzone d’autore il suo valore più autentico: quello di raccontare la vita, senza scorciatoie.

LV

Con Orbita, uscito il 7 marzo 2025, Pellegatta firma un’opera che conferma la sua maturità artistica e prende una posizione netta: la musica – soprattutto quella fatta dalle donne – può (e deve) essere libera dalle dinamiche di mercato. È un disco che osa, che non chiede il permesso di esistere, e che proprio per questo colpisce e convince. Pellegatta è così: che non si inserisce in nessuna scena pre-esistente, che non si associa a nessun giro, a nessun locale, a nessun precedente, questo disco è un fulmine a ciel sereno, violento e improvviso, che va ascoltato prendendo un respiro profondo, e che non assomiglia a niente che sta circolando attualmente.

Prodotto da Paolo Iafelice e distribuito da The Orchard, Orbita è un concept album che esplora la trasformazione, il cambiamento e l’imprevisto. Le sonorità si muovono tra strumenti acustici e influenze elettroniche, espandendo la forma-canzone con naturalezza e modernità. Il cantautorato di Pellegatta non è per questo anacronistico: è radicato nella tradizione, ma parla con la lingua del presente, con i synth che ci avvolgono e ci conducono come se un’amica, Pellegatta, ci accompagnasse per mano nella sua vita.

È un disco profondamente personale, che ti dà l’impressione di conoscerla davvero. Ascoltando Orbita, si entra nel suo mondo interiore con discrezione ma senza filtri. Ogni brano è un frammento di vissuto condiviso, un invito a guardare da vicino, senza paura. 

In un panorama musicale che spesso impone alle donne di aderire a canoni precisi – estetici prima ancora che sonori – Orbita è un gesto di rottura. È l’opposto del percorso, ad esempio, di cantautrici come Annalisa, che hanno scelto una svolta pop e un’immagine più sexy per ottenere maggiore visibilità. Pellegatta invece dimostra che si può essere femminili e libere senza doversi per forza sessualizzare, e che l’autenticità è una forma potentissima di forza.

E proprio questa autenticità è un atto politico. In un mondo che ancora tende a silenziare, addomesticare o modellare l’espressione femminile secondo logiche commerciali, Orbita sceglie un’altra via: quella della libertà, della complessità, della voce piena. È un gesto artistico, ma anche sociale e culturale, di rivoluzione timida.

Le collaborazioni con Sara Velardo (chitarre) e Francesca Sabatino in arte LAF (cori), unite all’artwork curato da Giulia Tondelli e alle fotografie di Enrico Maria Bertani, costruiscono un universo coerente e curato, dove ogni elemento è parte di un racconto unitario, quella di Pellegatta, con la sua urgente autobiografia musicale.

Orbita è un disco necessario, lo ribadiamo, per chi cerca nella musica verità, libertà, intimità. È la prova che un altro modo di fare cantautorato – più umano, più diretto, più libero – è non solo possibile, ma urgente.

LV