Categoria: Comunicato stampa

È disponibile da venerdì 25 settembre 2026 per Record-Y il disco d’esordio degli Hibaku Jumoku, trio vicentino composto da Paolo Inserra alla batteria, Antonio Gallucci al sax tenore e Francesco Bucci al basso tuba.

Il gruppo parte da una rilettura del piano-less jazz contemporaneo, sostituendo il basso con il basso tuba e costruendo un sound che attraversa nu jazz, rock, punk ed elettronica, con influenze afro e mediterranee. Sax, batteria e basso tuba vengono arricchiti da pedali ed effetti, dando vita a una musica fisica, pulsante e profondamente legata all’interplay tra i tre musicisti. Il disco arriva dopo un anno e mezzo di lavoro e una ventina di concerti nei club del Nord Italia, dove gli Hibaku Jumoku hanno sviluppato un’identità live intensa e personale. Un debutto che nasce dalla volontà di superare i confini del jazz senza rinunciare alla ricerca, e che apre ora una nuova fase per il trio, già al lavoro su nuovi brani.

Il nome Hibaku Jumoku, che indica gli alberi sopravvissuti alla bomba atomica di Hiroshima, racchiude la stessa idea di resistenza e di libertà che attraversa il progetto: proporre musica nuova senza lasciarsi condizionare da cliché o categorie prestabilite.


 

APPUNTAMENTI LIVE:
20 ottobre @ Milano, Cascina Cuccagna
30 ottobre @ Vittorio Veneto (TV), Trattoria alla Cerva



SCOPRI IL DISCO: https://www.record-y.com/hibakujumoku

Francesco Bucci: basso tuba, fx (Ottone Pesante, Zobibor)
Paolo Inserra: batteria (Baustelle, Uppertones, Giuliano Palma)
Antonio Gallucci: sax tenore, fx (Vertical, Stellari)

BIO: 

Nato a Vicenza da un’idea del batterista Paolo Inserra, Hibaku Jumoku è un trio che reimmagina la formula del piano-less jazz contemporaneo sostituendo il basso con il basso tuba, creando un suono che unisce nu jazz londinese, energia punk, radici afro e una sensibilità mediterranea. Una miscela diretta, fisica, che vive a metà fra jazz e rock, in un vero e proprio crossover jazz-rock.

Il nome del gruppo deriva dal termine giapponese che indica gli alberi sopravvissuti alla bomba atomica di Hiroshima: simboli di resistenza e resilienza. Una metafora che il trio abbraccia per raccontare il coraggio di proporre musica nuova, libera da cliché e da etichette, in un panorama sempre più complesso per chi crea.

La formazione vede Paolo Inserra alla batteria, Antonio Gallucci al sax tenore e Francesco Bucci al basso tuba. I fiati sono potenziati da elettronica, pedali ed effetti, che ampliano la tavolozza timbrica e spingono il trio verso territori ipnotici e pulsanti. Pur provenendo da percorsi differenti, i tre musicisti condividono un’attitudine comune: una ricerca sonora coerente, personale, che mette al centro groove ostinati, interplay e un’estetica ruvida ma profondamente espressiva.

Dopo un anno e mezzo di lavoro sul repertorio, il trio ha portato la propria musica in una ventina di concerti nei club del Nord Italia, costruendo un’identità live intensa e coinvolgente. Con l’uscita del primo album per Record-Y, Hibaku Jumoku guarda ora oltre i confini nazionali, con il desiderio di portare il proprio sound ovunque, anche all’estero, pur consapevole delle sfide del settore. Parallelamente, il trio è già al lavoro su nuovi brani che daranno vita al prossimo capitolo discografico.

https://www.instagram.com/hibaku_ju

controluce è il primo album dei sokind ed è anche il primo lavoro del progetto interamente in italiano. Dopo le prime uscite in inglese, Massimiliano incomincia a scrivere nella propria lingua perché gli permette di essere più preciso nei testi. L’elettronica rimane alla base della produzione, ma entra in rapporto con una scrittura più vicina alla canzone italiana.

«controluce è il primo disco in cui abbiamo scritto tutto in italiano – raccontano i sokind –. Molti brani partono da esperienze reali, ma durante il lavoro cambiano parecchio: testo, produzione e arrangiamento si influenzano a vicenda e alla fine non ci interessa ricostruire i fatti in modo fedele. Ci interessa che la canzone funzioni e che resti qualcosa in cui possa riconoscersi anche chi non conosce la storia da cui è partita».

I brani parlano soprattutto di relazioni, intese in senso ampio. Ci sono rapporti finiti, legami rimasti sospesi, attrazione, distanza e difficoltà nel capire quando avvicinarsi o lasciare spazio. Altri pezzi si concentrano invece su solitudine, identità, lutto, memoria e sul modo in cui si prova ad andare avanti dopo un periodo difficile. Non c’è una storia unica che attraversa il disco: ogni traccia parte da una situazione diversa.

Molte canzoni nascono da esperienze reali, soprattutto di Massimiliano. Durante il lavoro con Lorenzo, però, quegli episodi vengono riscritti e modificati: testo, produzione e arrangiamento si influenzano a vicenda fino alla versione definitiva. Il punto non è documentare ciò che è successo, ma usare un’esperienza concreta come punto di partenza per una canzone.

«Abbiamo dei punti di partenza diversi, ma poi i brani passano continuamente da entrambi. Un beat può far cambiare una frase e una frase può far cambiare un arrangiamento. Per questo è difficile dire che uno si occupa solo di una parte e l’altro di un’altra: la versione finale arriva dopo parecchi passaggi tra tutti e due».

La stessa impostazione vale per la parte visiva. Artwork, fotografie e i dieci Official Visual sono stati realizzati internamente dal duo. I Visual sono girati nello stesso set, con camera fissa e azioni diverse per ogni traccia; i testi compaiono sincronizzati con un effetto macchina per scrivere.

«La parte visiva la sviluppiamo mentre lavoriamo alla musica, non alla fine. Per controluce abbiamo scelto di dare ai dieci Official Visual una struttura comune: stesso set e camera fissa, con azioni diverse per ogni brano e i testi sincronizzati nell’immagine. Ci interessava che fossero riconoscibili come parti dello stesso disco senza renderli tutti uguali»

Track by track

01 — Respirare

La distanza giusta dentro una relazione

Respirare parla della difficoltà di capire quale sia la distanza giusta dentro una relazione. Due persone possono volersi bene e, allo stesso tempo, non sapere quando avvicinarsi, quando lasciare spazio o quando parlare. Il brano parte da quel tipo di quotidianità in cui anche un gesto semplice può essere letto nel modo sbagliato. Non racconta necessariamente una relazione finita: racconta piuttosto il tentativo di stare insieme senza annullare lo spazio personale di nessuno dei due.

FRASE DAL TESTO Restiamo fermi / come fotografie / che provano a respirare.

02 — Fantasmi

Quando non si hanno ancora risposte su di sé

Fantasmi riguarda il rapporto con sé stessi più che una relazione di coppia. Parte dalla pressione di dover sapere sempre chi si è, cosa si vuole e dove si sta andando. I “fantasmi” sono aspettative, vecchie versioni di sé e pensieri che continuano a riemergere. La canzone non arriva a una definizione conclusiva: accetta l’idea che alcune cose possano restare incerte e che non avere subito una risposta non significhi necessariamente essere persi.

FRASE DAL TESTO Non ogni vuoto va riempito / alcuni spazi vanno solo sentiti.

03 — Neve

Una relazione che resta nel possibile

Neve racconta due persone tra cui c’è qualcosa di evidente, ma che non riescono mai a trasformarlo in una relazione vera. Il problema non è necessariamente l’assenza di sentimento: possono mancare il momento giusto, le circostanze o il coraggio di esporsi. Rimane quindi soprattutto ciò che avrebbe potuto succedere. Il contrasto tra il caldo dell’estate e la neve “dentro” serve a descrivere questa distanza tra quello che appare normale all’esterno e quello che continua a rimanere irrisolto.

FRASE DAL TESTO Ora siamo due canzoni diverse / che usano le stesse parole.

04 — Lontano da te

Guardare indietro senza voler tornare

Lontano da te nasce dal momento in cui una relazione finita può essere guardata con più distanza. Durante la fine e nel periodo subito successivo restano soprattutto il dolore e la mancanza; col tempo, però, il ricordo cambia. Si può arrivare a sorridere pensando a ciò che è stato e riconoscere che quella relazione ha avuto un valore, pur sapendo con chiarezza che non si vorrebbe ricominciare. Il brano sta proprio in questa distinzione tra conservare un ricordo e desiderare di tornare indietro.

FRASE DAL TESTO A volte lasci andare / per non farti mancare.

05 — Sale nell’acqua

Accettare che continuare farebbe peggio

Sale nell’acqua parla del momento in cui ci si rende conto che una relazione è arrivata alla fine e che insistere non migliorerebbe le cose. Non c’è necessariamente un episodio preciso che chiude tutto: il rapporto può consumarsi lentamente, fino a non essere più quello di prima. Il “va bene così” del ritornello non è indifferenza, ma il tentativo di accettare che separarsi sia la scelta più sensata e che continuare rischierebbe di far stare peggio entrambi, o di far perdere parti di sé che non vale la pena sacrificare.

FRASE DAL TESTO Ci siamo persi come si perde una lingua / che parlavi da bambino e adesso taci.

06 — Temporale

La distanza tra quello che si mostra e quello che si prova

Temporale parla di solitudine e della sensazione di non essere davvero visti. Il centro del brano è la distanza tra ciò che succede dentro e ciò che gli altri percepiscono: si può continuare a parlare, uscire e rispondere che va tutto bene mentre si sta vivendo qualcosa di molto diverso. Anche la produzione lavora su questo contrasto, evitando di seguire in modo ovvio il peso del testo. La frase “la solitudine è un temporale” riassume un’esperienza che per chi la vive può essere molto forte, anche quando dall’esterno quasi non si nota.

FRASE DAL TESTO La solitudine è un temporale.

07 — Errori ben riusciti

Un rapporto che funziona nell’attrazione, non nel resto

Errori ben riusciti racconta un rapporto molto fisico in cui l’attrazione continua a funzionare anche quando il resto della relazione non regge. I due protagonisti sanno di non costruire qualcosa di stabile e capiscono che continuare a cercarsi può complicare le cose, ma questo non basta a interrompere il legame. Il titolo nasce da questa contraddizione: qualcosa può essere chiaramente un errore dal punto di vista razionale e, in alcuni momenti, sembrare comunque riuscire benissimo.

FRASE DAL TESTO Forse siamo un errore ben riuscito.

08 — Controvento

Uscire da un periodo di autosvalutazione

Controvento parla di un cambiamento nel rapporto con sé stessi dopo un periodo segnato da dubbi, paura del giudizio e scarsa fiducia. Non c’è un momento di svolta netto e non c’è una rivincita verso qualcuno: il brano descrive piuttosto il lavoro graduale di smettere di trattarsi come il proprio principale avversario. Andare “controvento” significa continuare a muoversi anche quando alcune difficoltà rimangono, con un rapporto un po’ più equilibrato con i propri limiti.

FRASE DAL TESTO Ho fatto pace con la mia parte scura / le do la mano e non mi fa più paura.

09 — Allora ciao

Quando la decisione arriva prima dell’accettazione

Allora ciao racconta il periodo dopo una separazione in cui si sa razionalmente che chiudere è stata la scelta giusta, ma le emozioni non sono ancora arrivate allo stesso punto. Il testo alterna continuamente “non mi importa” e “mi importa” proprio perché le due cose possono convivere. Non è necessariamente il desiderio di tornare insieme: è la difficoltà di abituarsi all’assenza di una persona che, fino a poco prima, faceva parte della quotidianità. Il saluto finale arriva quindi mentre quella decisione è ancora in fase di elaborazione.

FRASE DAL TESTO Quando ti penso non mi importa / quando ti vedo mi importa.

10 — Ricordi

Il lutto dentro le abitudini quotidiane

Ricordi nasce da una storia reale vicina a Massimiliano ed è dedicata alla sua migliore amica, che ha perso da poco la nonna a cui era molto legata. Il brano osserva il lutto attraverso le cose quotidiane: una stanza, un rumore, un’abitudine o un gesto possono continuare a richiamare una persona proprio perché non c’è più. Non prova a spiegare come si supera una perdita e non cerca una conclusione consolatoria. Racconta piuttosto come l’assenza entri nella vita di tutti i giorni e come i ricordi continuino a cambiare significato nel tempo.

FRASE DAL TESTO Forse chi se ne va davvero / cambia solo posizione.

Crediti

Artista

PROGETTO sokind
COMPONENTI Massimiliano Lorenzin / Lorenzo Milan
ORIGINE Vicenza, Italy
ATTIVO DAL 2023
AREA MUSICALE canzone italiana / elettronica
LINGUA italiano (controluce); prime uscite del progetto in inglese

Release

TITOLO controluce
FORMATO album
DATA DI USCITA 25 settembre 2026
TRACCE 10
DURATA TOTALE 32:34
DISTRIBUZIONE DistroKid
COLLECTING Soundreef

Crediti musicali

Scrittura, composizione, produzione, arrangiamento, registrazione, voci, strumenti/programmazione, mix e master: Massimiliano Lorenzin / Lorenzo Milan.

Crediti visual

Artwork, fotografie e Official Visual: Massimiliano Lorenzin / Lorenzo Milan. I materiali visivi vengono sviluppati internamente durante la lavorazione del disco.

Processo di lavoro

Lorenzo produce musica da anni; Massimiliano scrive e canta. I ruoli non sono però separati in modo rigido: i brani passano più volte da entrambi e testo, melodia, produzione e arrangiamento possono cambiare durante il lavoro.

Visual system di controluce

OFFICIAL VISUAL 10, uno per traccia
IMPOSTAZIONE stesso set / camera fissa / azioni diverse
TESTI sincronizzati con effetto macchina da scrivere
PRODUZIONE VIDEO interamente interna

Contatti

EMAIL weplay.sokind@gmail.com
INSTAGRAM @sokind__
SMARTLINK ffm.to/controluce

É disponibile su tutte le piattaforme digitali da giovedì 24 settembre 2026 un nuovo capitolo musicale di Naesh che torna dunque con “N”, il nuovo album prodotto da RameBiz, in distribuzione Believe Music Italy.

“N” nasce ancora una volta dal ritrovato incontro artistico tra Naesh e RameBiz, un sodalizio che affonda le proprie radici in una conoscenza lunga oltre vent’anni. Dopo un periodo lontano dalla musica, Naesh ha ripreso infatti a scrivere e a lavorare a nuovi brani, ritrovando proprio in RameBiz il compagno di viaggio con cui costruire questa nuova fase del percorso. Il disco arriva dopo i singoli “Vita Lenta”, “Re Carlo” e “California”, tre anticipazioni che hanno progressivamente mostrato la direzione del progetto. Al centro di “N” ci sono il tempo che passa, il rapporto con il proprio territorio, le esperienze accumulate e la necessità di tornare a fare musica partendo da una consapevolezza diversa rispetto agli inizi.

Quello di Naesh non è però un semplice ritorno al passato: “N” guarda alla storia personale e musicale dell’artista per trasformarla in qualcosa di nuovo. La scrittura rimane legata all’osservazione della quotidianità e a una dimensione profondamente personale, mentre le produzioni di RameBiz accompagnano il progetto mantenendo saldo il legame con l’hip hop e con le radici artistiche dei due. Il nuovo album diventa così il punto d’incontro tra ciò che è stato e ciò che Naesh e RameBiz sono oggi, con la libertà di ripartire senza dover dimostrare nulla se non a loro stessi.

SCOPRI IL DISCO: https://bfan.link/n-2

Scritta da Naesh
Prodotta da RameBiz
Mix, Master e arrangiamenti di Riccardo Moio per RMB Studio
Grafiche di MALEdicola
 

BIO:

Naesh, all’anagrafe Giacomo Viale, nato a Ventimiglia nel 1987, è un rapper ligure che ha costruito il proprio percorso artistico tra radici locali e attitudine underground, mantenendo sempre un forte legame con il territorio e con la scena hip hop della Riviera. L’esordio ufficiale arriva nel 2006 con l’album “Là fuori, qua fuori”, realizzato in collaborazione con Royal Frenz, cantante e beatmaker di Lugano. Il progetto segna l’ingresso di Naesh nella scena locale, mettendo in luce uno stile diretto, crudo e profondamente legato al vissuto di provincia, tra introspezione e osservazione sociale. Negli stessi anni entra a far parte della crew ventimigliese Porro Inc, collettivo composto da Dj Smooth, Redix e Wise XL. Con loro consolida la propria identità artistica e partecipa attivamente al “Grizzly Mixtape” di Smooth e Redix, rafforzando la sua presenza nella scena hip hop ligure.

Nel 2009 pubblica “SMAESH”, progetto interamente prodotto da Dj Smooth. L’album rappresenta un passo avanti in termini di maturità artistica: le produzioni compatte e coerenti valorizzano una scrittura più consapevole, che alterna punchline, riflessioni personali e storytelling urbano. Negli anni successivi Naesh collabora con numerosi rapper della zona, diventando una figura di riferimento nella scena di provincia. Nel 2014 pubblica “Maschere Mixtape”, un progetto che coinvolge rapper provenienti da tutta la Liguria e che si sviluppa interamente su strumentali di J Dilla. Il mixtape è un omaggio dichiarato alla tradizione hip hop più autentica e mette in evidenza la sua capacità di muoversi su sonorità classiche senza perdere identità.

Nel 2020 esce “Neorealismo”, un album che segna una nuova fase del suo percorso. Per la prima volta Naesh lavora con più produttori, tra cui RameBiz, Roggy Luciano e Dalo, ampliando il proprio spettro sonoro e sperimentando nuove atmosfere. Tuttavia, la pubblicazione coincide con il periodo della pandemia da Covid-19, che compromette la promozione e soprattutto la dimensione live del progetto. La mancanza di concerti e di riscontro diretto con il pubblico rappresenta una forte delusione, tanto da spingerlo a decidere di interrompere il proprio percorso musicale.

Nel 2024, però, arriva una svolta inattesa: Amado, cantante indie locale, lo contatta per un featuring. La collaborazione riaccende in Naesh l’entusiasmo e la voglia di scrivere, riportandolo gradualmente alla musica. Da questa rinnovata energia nasce la reunion con l’amico e produttore Rame Biz, che costruisce l’intero tappeto musicale di “N”, il suo ultimo lavoro. Il progetto rappresenta una sintesi del suo percorso: maturità, consapevolezza e un ritorno alle radici, ma con uno sguardo più adulto e riflessivo. 

https://www.instagram.com/goodboynaesh/

THERA, giovane artista pop ceca in rapida ascesa, inaugura un nuovo capitolo della sua carriera con l’uscita dell’attesissimo singolo “Heartless Romance”, disponibile in radio e su tutte le piattaforme digitali dal 18 settembre 2026. 

Ascolta “Heartless Romance“

Oscuro, seducente e pervaso da una nuova consapevolezza, il brano segna una significativa evoluzione nel sound dell’artista, che si allontana dal pop emozionale delle sue prime produzioni per abbracciare sonorità più audaci, sensuali e pensate per la pista da ballo.

Animato da un ipnotico synth ipnotico e sinuoso, beat ispirati all’hip hop e tastiere dalle atmosfere avvolgenti, “Heartless Romance” è stato scritto in collaborazione con il celebre produttore internazionale Jakke Erixson (David Guetta, Charli XCX, Ava Max). Primo brano estratto dal suo attesissimo secondo album, il singolo costruisce una tensione ritmica irresistibile, che esplode in ritornelli potenti e immediati.

Al centro della produzione spicca la voce inconfondibile di THERA, capace di muoversi tra vulnerabilità e una nuova, decisa padronanza di sé. Il brano esplora il confine sfumato tra desiderio e impegno, raccontando la tensione di essere intensamente desiderati da qualcuno che, tuttavia, si rifiuta di sceglierti davvero. Una relazione dal potere inebriante, dalla quale sembra impossibile allontanarsi, anche quando si intuisce che l’altra persona potrebbe tornare a cercarti soltanto nei momenti di solitudine.

Con “Heartless Romance”, THERA presenta una nuova identità sonora: più dark, più audace e orgogliosamente pop. Se le sue precedenti pubblicazioni hanno messo in luce la capacità di trasformare le emozioni personali in una scrittura intima e coinvolgente, questo nuovo capitolo spinge quelle stesse emozioni verso una dimensione più energica, fisica e trascinante.

Il nuovo singolo arriva dopo “Everywhere, All At Once”, l’EP live di THERA composto da sette tracce e nato per immortalare l’energia autentica del suo primo tour nelle arene. Registrato in diverse tappe della tournée europea al seguito di Jason Derulo, il progetto restituisce l’atmosfera senza filtri delle sue esibizioni dal vivo e celebra un momento decisivo della sua rapida ascesa.

“The goal of this EP was to create an honest, living memory—not just for me, but for the fans who made those nights so special and for anyone who wants to experience the energy of my live shows from afar”,spiega THERA.

La tracklist include anche la personale reinterpretazione di “Break the Rules” di Charli XCX, diventata rapidamente una delle preferite dai fan e uno dei momenti più coinvolgenti del tour, conquistando anche il pubblico che si avvicinava per la prima volta all’artista. Il brano anticipava inoltre la direzione musicale audace che oggi prende forma con “Heartless Romance”.

THERA si sta rapidamente affermando come una delle nuove artiste più interessanti della scena musicale europea. Con oltre 11 milioni di stream complessivi su tutte le piattaforme, ha conquistato l’attenzione internazionale grazie al successo virale di “Guardian Angel”, che ha superato gli 8 milioni di visualizzazioni su TikTok e oltre 1 milione di stream su Spotify, entrando nelle playlist New Music Friday ed EQUAL.

La sua ascesa inarrestabile l’ha portata a fare la storia come prima ambassador ceca della campagna globale EQUAL di Spotify, che l’ha vista protagonista dell’iconico Billboard di Spotify a Times Square, New York. Il suo album di debutto, “I Wish I Called”, ha inoltre raggiunto direttamente il primo posto nella classifica iTunes della Repubblica Ceca.

Artista dalla solida esperienza live, THERA ha condiviso il palco con importanti nomi della musica internazionale. È stata opening act ufficiale del tour europeo di Jason Derulo, culminato alla O2 Arena di Praga, e ha aperto i concerti della vincitrice svedese dell’Eurovision Loreen in diverse città, tra cui Londra, Manchester, Dublino e Zurigo. Ha inoltre accompagnato in tour la band britannica Remember Monday.

Queste importanti esperienze hanno contribuito ad ampliare significativamente il suo pubblico, in Repubblica Ceca e all’estero. Attualmente THERA è impegnata in studio nella lavorazione del suo attesissimo secondo album, un progetto che presenterà una nuova direzione artistica, capace di unire sonorità dance e sad pop.

Quando l’incomunicabilità prende il sopravvento, anche la vicinanza fisica rischia di ridursi a un guscio vuoto. È da questo cortocircuito emotivo che muove i suoi passi “Alla Luna”, il nuovo singolo del cantautore Mauro Cesaretti, in uscita su tutte le piattaforme digitali dal 18 settembre 2026. Al centro della narrazione non c’è la scossa improvvisa di un addio urlato, ma la lenta ed inesorabile erosione dei sentimenti che si consuma nell’apatia, spesso schermata dalla luce fredda di un cellulare.

Con l’amarezza di un verso che fotografando il presente recita “sarà che ormai dentro quel cellulare abbiamo perso la voglia di amare”, Cesaretti mette a nudo una delle fragilità più diffuse della contemporaneità: la tendenza a scambiare l’iper-connessione con l’empatia reale. L’antica metafora dell’“abbaiare alla luna” diventa così la rappresentazione viscerale di una richiesta d’aiuto lanciata a vuoto verso chi si è ormai trincerato dietro segreti, rancori e silenzi.

Eppure, la sensibilità del brano sta nel non consegnarsi al disincanto. Tra le pieghe del testo emerge la possibilità di una rinascita, che passa per il gesto rivoluzionario di ammettere le proprie responsabilità e ritrovare il coraggio di guardarsi negli occhi. Un lavoro profondo, frutto di una gestazione iniziata nel 2019 e affinata negli anni attraverso tappe fondamentali come il CET di Mogol.

A completare questo universo interiore interviene un concept visivo originale firmato dalla sua agenzia PAROT: un pianeta desolato e un lupo bianco, generati sfruttando le potenzialità dell’Intelligenza Artificiale, che proiettano la canzone in un’atmosfera sospesa e cinematografica. Nella nostra intervista abbiamo esplorato con Mauro le dinamiche e i significati di questo ritorno.

In “Alla Luna” lo smartphone diventa quasi un terzo elemento della relazione, fino a occupare lo spazio che un tempo apparteneva al dialogo. Perché hai scelto proprio il cellulare come simbolo dell’incomunicabilità? 

Perché è probabilmente l’oggetto che più rappresenta la nostra quotidianità. È sempre con noi e spesso diventa quasi una presenza fisica all’interno delle relazioni. Mi interessava il contrasto: abbiamo un dispositivo che ci permette di parlare con chiunque nel mondo, ma contemporaneamente possiamo usarlo per evitare di parlare con la persona che abbiamo accanto. In questo senso il cellulare diventa una metafora molto potente.

La tecnologia ci permette di essere costantemente connessi, ma il brano racconta una situazione paradossale: essere vicini fisicamente e lontanissimi emotivamente. È questa, secondo te, una delle contraddizioni più forti delle relazioni contemporanee? 

Sì, sicuramente. Forse è proprio una delle contraddizioni più evidenti del nostro tempo. Essere connessi non significa essere in relazione. Possiamo sapere continuamente cosa fa una persona, dove si trova, cosa pubblica, con chi parla, e allo stesso tempo non sapere più come sta realmente. “Alla Luna” nasce anche da questa contraddizione: la distanza non è più necessariamente geografica. Può esistere anche a pochi centimetri di distanza.

Nel testo compaiono segreti, gelosia, rancore e messaggi mancati. Ti interessava raccontare una storia individuale oppure costruire un ritratto più ampio delle dinamiche sentimentali di oggi? 

La storia individuale è il punto di partenza, ma l’obiettivo era sicuramente arrivare a qualcosa di più ampio. Quando scrivo una canzone cerco di partire da un’immagine concreta e poi trasformarla in qualcosa in cui possa entrare anche l’ascoltatore. Per questo “Alla Luna” non vuole spiegare chi ha ragione e chi ha torto. Racconta un meccanismo nel quale entrambi possono avere una responsabilità.

Quanto è difficile affrontare temi molto attuali senza trasformare una canzone in una semplice critica sociale? Qual è il confine che hai cercato di mantenere tra racconto personale e riflessione sul presente? 

Il rischio c’è. Se avessi voluto fare una semplice critica alla tecnologia, avrei scritto un testo molto diverso e più diretto. Invece il cellulare è soltanto uno degli elementi della storia. Il vero tema è l’incapacità di comunicare. La tecnologia può amplificarla, ma non la crea necessariamente. Ho cercato quindi di non dare una risposta, ma di raccontare una situazione e lasciare che fosse l’ascoltatore a riconoscersi dentro quella dinamica.

Il brano sembra suggerire che il problema non sia tanto la tecnologia in sé, quanto il modo in cui scegliamo di usarla. Quale sarebbe, secondo te, il gesto più semplice per tornare a comunicare davvero con una persona che abbiamo accanto? 

Probabilmente mettere da parte il telefono e guardarsi negli occhi. Sembra banale, ma forse è proprio la cosa più difficile: accettare le contraddizioni dell’altro, le insicurezze, gli schemi mentali sedimentati negli anni. E poi avere il coraggio di parlare senza cercare immediatamente di avere ragione. A volte comunicare significa anche ascoltare qualcosa che non vogliamo sentirci dire.