“TRAPPED PEOPLE NEED, FREE PEOPLE WANT” è il nuovo singolo di Goodbye Lara, uscito venerdì 2 ottobre 2026. In “TRAPPED PEOPLE NEED, FREE PEOPLE WANT”, Goodbye Lara attraversa il confine incerto tra desiderare qualcuno e averne bisogno per riuscire a fuggire. L’amore diventa una promessa di salvezza che lentamente cambia forma, fino a somigliare alla stessa gabbia da cui si cercava di uscire. Tra alt rock, elettronica e atmosfere crepuscolari, il brano costruisce un paesaggio deformato, dove le identità si confondono e l’acqua continua a salire. Restano due persone che provano a salvarsi a vicenda senza sapere se stanno nuotando verso la superficie o semplicemente imparando ad affondare insieme.
Foto: Mari Giaccari
Queste le parole con le quali l’artista presenta la traccia: «”Trapped People Need, Free People Want” è il singolo di lancio del progetto Goodbye Lara. Il brano esplora il conflitto tra bisogno e desiderio: chi è intrappolato vive l’amore come una sterile evasione, chi è libero può sceglierlo consapevolmente; uno sbilanciamento che porta ad un’ alterazione percettiva e all’illusione di aggiustare la vita dell’altro mentre lui rimane coscientemente immobile. Il testo è la promessa di una fuga in un mondo tra realtà e sogno in cui non esistono sovrastrutture e in cui lasciarsi inghiottire dalle onde non è un naufragio, ma l’inizio di un viaggio fuori dall’ordinario.»
Puoi ascoltare il brano qui:
BIO Goodbye Lara nasce dalla scrittura di Lara Ingrosso, musicista, autrice e compositrice di colonne sonore. Con un sound che attraversa alternative rock, elettronica e atmosfere cinematografiche e testi sospesi tra crudo realismo e visioni oniriche, prende forma un progetto che esplora le zone d’ombra dei legami umani: il confine sottile tra cura e controllo, vulnerabilità e annullamento di sé.
“Come albume nell’uovo cosmico” è il nuovo singolo di Enrique Spacca, uscito martedì 29 settembre 2026. In “Come albume nell’uovo cosmico”, Enrique Spacca osserva l’esistenza come una materia unica, in cui corpi, natura e infinito sembrano appartenere allo stesso movimento. Tra una voce quasi sussurrata e una scrittura fatta di immagini essenziali, il brano procede lentamente verso qualcosa che sembra precederci e, allo stesso tempo, contenerci. Il quotidiano sfiora così il sacro, il minuscolo diventa cosmico e ogni confine comincia a perdere consistenza. Come se, per un istante, fosse possibile guardare l’universo da molto lontano e accorgersi di essere ancora dentro di lui.
Foto: Charlotte Vuissoz
Queste le parole con le quali l’artista presenta la traccia: «Il brano è un dialogo tra l’istante e l’eterno divenire delle cose, quel flusso perpetuo che la filosofia indiana racconta nell’immagine dell’Uovo Cosmico. Nasce timido, all’improvviso, da una nota che si dilata, e cresce lentamente come un’onda che va a infrangersi sul bagnasciuga dei sensi. Il suo sound si smarrisce nel riverbero di una stanza, e si fa teatro di luci quando chitarra, batteria e archi deflagrano: è il mondo che si schiude sotto i nostri occhi per poi raccogliersi nella corporalità di un basso groovy.»
Puoi ascoltare il brano qui:
BIO Enrique Spacca, cantautore e pianista italo-colombiano, dà forma a quella che chiama imaginal music, un indie folk italiano intriso di pop trascendentale: con semplici melodie vocali e le armonie inattese di un pianoforte introspettivo, apre al pubblico le porte di un mondo interiore. Residente in Svizzera, intreccia l’italiano, sua lingua madre, con l’inglese per raccontare storie di trasformazione, invitando a volgere lo sguardo oltre il rumore del mondo, a rinnovare il legame che ci unisce al vivente e a ritrovare l’unità nel cuore della divisione. Il suo progetto solista è una tensione verso l’autenticità, maturata dopo anni di esplorazione sonora con band e ricerche visive, sulla scia di Franco Battiato, Paolo Conte, Pino Daniele e Andrea Laszlo de Simone.
“Canzone Sospirata” è il nuovo singolo dei Cromosauri, uscito martedì 29 settembre 2026. In “Canzone Sospirata”, i Cromosauri tornano nei luoghi in cui qualcosa ha fatto male, senza provare a cancellarne le tracce. Le paure restano, così come le debolezze e i segni lasciati dal passato, ma lentamente smettono di occupare tutto lo spazio. Tra malinconia e consapevolezza, il brano osserva ciò che accade quando non abbiamo più bisogno di sconfiggere i nostri mostri per continuare a vivere. Come tornare molti anni dopo nella stessa stanza e trovarla identica, accorgendosi però che siamo noi, finalmente, a non esserlo più.
Foto: Irene Carli
Queste le parole con le quali la band presenta la traccia: «”Canzone Sospirata” chiude l’album “Nuvole, Bolle e Pesci”, aprendo un orizzonte di nuove prospettive e allo stesso tempo chiudendo un cerchio narrativo. L’album inizia e finisce con due immagini legate all’acqua, formando un arco narrativo circolare: prima si evoca una caduta in una pozzanghera, poi, in “Canzone Sospirata”, immagina una pioggia che non riesce ad eliminare i solchi tracciati. C’è un passato indelebile che permette di ricordare e quindi crescere, lasciare andare. Nata in una situazione molto personale vissuta da Davide mentre viveva nel nord della Danimarca, la canzone vuole essere una dichiarazione di pace nei confronti di se stessi e del mondo che ci circonda. Le contraddizioni e i mostri interiori che si presentano alla porta del presente e chiedono un riscatto non vengono rifuggiti o rinnegati, ma riconosciuti e accolti, accettati. Il brano quindi chiude un percorso di maturazione, di accettazione delle proprie fragilità, delle proprie debolezze, un volersi bene nonostante alle volte sia difficile riconoscersi allo specchio, nonostante le nostre battaglie con il mondo, i nostri altri principi, le aspettative, tutto ciò che è già stato citato anche in “Se Avessero” e “Brillare”. La copertina, un collage di Polaroid scattate da Davide in diversi luoghi della Danimarca, richiama i luoghi che hanno ispirato la canzone e ne creano l’atmosfera: il faro di Rubjerg Knude, un faro abbandonato che solo 100 anni fa era un edificio all’avanguardia e che invece l’erosione della costa presto farà crollare in mare; Grenen, la punta della Danimarca dove si incontrano Mar Baltico e Mar del Nord, perennemente in contrasto con le loro correnti; Aalborg, la città dove Davide ha vissuto.»
Puoi ascoltare il brano qui:
BIO I Cromosauri sono un trio alternative rock nato a Cecina (LI) e attivo dal 2014. Dopo l’esordio psichedelico e strumentale “Cromomito” (2015) e la successiva esplorazione del grunge anni ’90 con “NOIZ!” (2016) e “Invalid Session EP” (2018), nel 2020 la band pubblica “La Piccola Circolazione”, primo lavoro in italiano, scritto e registrato a distanza, un racconto dei piccoli mondi domestici della pandemia. Con “RGB” (2021) i Cromosauri consolidano la loro direzione espressiva, mescolando alternative, indie e post rock. Dopo esperienze parallele tra Europa e Stati Uniti e l’uscita di “L.P.C. Live” (2023), il trio è prossimo a presentare il nuovo album “Nuvole, Bolle e Pesci” (novembre 2026), un disco che attraversa disorientamento e trasformazione senza cercare risposte definitive, ma restando dentro le domande.
“Sapore” è il nuovo singolo dei Morama, uscito venerdì 25 settembre 2026. In “Sapore”, i Morama raccontano una distanza che il corpo sembra rifiutarsi di accettare. L’assenza continua a sopravvivere nelle cose più piccole: un odore rimasto sul cuscino, il sapore del sale, una luce oltre lo schermo, la memoria di un tocco. Frammenti capaci di rendere vicino ciò che non possiamo più raggiungere. Con una ballad intima e sospesa, il brano abita così quello spazio fragile in cui il ricordo diventa quasi fisico e qualcuno può continuare a mancarci proprio perché, in qualche modo, non se n’è mai andato davvero.
Foto:Morama
Queste le parole con le quali il duo presenta il brano: «Prosegue il percorso elettro-pop dei Morama con “Sapore”, quarto e ultimo singolo estratto dal secondo EP del duo, “Marea d’Amore”. Un brano intenso ed emozionale che rappresenta il capitolo finale di un progetto capace di raccontare le diverse sfumature dell’amore attraverso sonorità contemporanee e una scrittura profondamente evocativa. “Sapore” racconta il peso di una relazione a distanza, dove l’assenza della persona amata si trasforma in una presenza costante nei pensieri. La nostalgia, il desiderio e la mancanza, tanto fisica quanto emotiva, si intrecciano fino a sfiorare l’ossessione, dando vita a un racconto sincero e vulnerabile. Ballad dell’EP, il brano mette al centro un’interpretazione vocale intensa, fragile e al tempo stesso potente, capace di trasmettere tutta la forza delle emozioni raccontate. Un pianoforte delicato e malinconico apre e sostiene la composizione, mentre una produzione moderna e incisiva accompagna la crescita del pezzo, esaltandone la profondità emotiva senza rinunciare all’identità elettro-pop che contraddistingue i Morama.»
Puoi ascoltare il brano qui:
Bio Morama è il punto di incontro tra due mondi apparentemente opposti: il rigore della musica colta e la libertà viscerale dell’elettronica. Il progetto, fondato nel 2022 da Johanna Noa (cantante e violoncellista italo-tedesca) e Paolo De Santis (producer e tastierista), nasce tra le aule del Conservatorio G. Verdi di Como, ma trova la sua vera identità lontano dai leggii, nel pulsare dei club e nella ricerca sonora tra Milano e Londra. Il suono, classico distorto. La firma stilistica Morama è un pop sofisticato ma accessibile. Il violoncello di Johanna non è solo uno strumento d’accompagnamento, ma diventa materia viva: effettato, distorto e manipolato fino a fondersi con i sintetizzatori di Paolo. Le loro produzioni attingono all’armonia jazz di Jacob Collier, alla vocalità intima di Billie Eilish e Raye, e all’energia elettronica della nuova scena italiana (MACE, Okgiorgio, Venerus). Dai live al debutto discografico Dopo un primo esordio in lingua inglese, il duo si stabilisce a Milano e vira verso l’italiano per una necessità di comunicazione più diretta. La risposta del pubblico è immediata: la loro esibizione per Sofar Sounds Milan (2023) diventa virale superando le 60.000 visualizzazioni, aprendo le porte a palchi storici come l’Arci Bellezza e il Biko, fino all’opening act per Bluem al BriUp Festival. Il valore del progetto viene confermato dalle selezioni finali in alcuni dei contest più prestigiosi d’Italia: MusicForChange, MArteLive, Sannolo, Palchi Belli x Rockit e M4NG.
“Body” è il nuovo singolo di Adriano Saponaro, uscito martedì 22 settembre 2026. In “Body”, Adriano Saponaro esplora la distanza sottile tra ciò che siamo e ciò che scegliamo di mostrare. Il corpo diventa insieme rifugio e superficie, qualcosa da abitare ma anche da riconoscere quando ogni rappresentazione comincia a cedere. Tra dettagli quotidiani e immagini sospese, il brano si muove nell’intimità di un risveglio, quando la notte lascia spazio a una luce più difficile da evitare. E forse è proprio lì, senza più ruoli da interpretare, che resta la domanda più semplice e vertiginosa: cosa rimane di noi quando non c’è più nessuno da convincere?
Foto: Francesca Pazienza
Queste le parole con le quali l’artista presenta la traccia: «Ci sono dei vestiti che anche se provi a gettarli sul pavimento restano in piedi come sculture in un museo. Sono gli abiti delle persone importanti, come la giacca di tuo nonno o il montgomery di tua mamma. Allo stesso modo, un mattino, un body color grigio tenue ti fissa, mentre il mondo si sveglia e tu cerchi di aprire gli occhi. È un indumento che non hai mai visto prima, eppure è già nel tuo museo, vicino all’angelo che ti dorme accanto, mentre sotto al letto un bar di piccole creature sta sfornando brioches per tutti i turisti della tua mente. Un brivido luccicante ti taglia in due. Hai subito l’impressione che questa mattina non si andrà a scuola, nonostante la scuola sia finita già da molti anni.»
Puoi ascoltare il brano qui:
BIO Adriano Saponaro è un cantautore e polistrumentista. Dentro le sue vene scorre una miscela di chitarre tarantiniane, supereroi che camminano nella pioggia e un’orchestra che gioca a disordinare i suoi spartiti davanti alla platea. Dalla confusione nascono le parole e le melodie delle sue canzoni per poi trovare la retta via tra un abbraccio di ieri e un bacio di oggi.
“Maledistato” è il nuovo singolo di Stefano Resta, uscito martedì 15 settembre 2026. Stefano Resta attraversa un presente saturo di immagini, rumore e identità costruite, dove distinguere ciò che siamo da ciò che mostriamo diventa sempre più difficile. Tra tensioni elettroniche e una scrittura essenziale, il brano lascia affiorare un disagio che dalla dimensione individuale si allarga lentamente al mondo circostante, fino a confondere ferite private e collettive. Ne emerge il ritratto inquieto di una realtà che continua a chiedere attenzione mentre sembra perdere la capacità di guardare davvero: un luogo in cui restare umani diventa, forse, la forma più silenziosa di resistenza.
Foto: Flavio Diaferia Art direction: Facciocosepunto Set direction: Mariapia Nocella
Queste le parole con le quali il cantautore presenta la traccia: «Tra sintetizzatori anni Ottanta, ritmi ipnotici e melodie luminose, “Maledistato” unisce l’estetica della new wave europea a una scrittura che guarda alla tradizione della canzone d’autore, trasformando una riflessione sul presente in un brano dal forte contrasto emotivo. Nato dall’esigenza di osservare il nostro tempo senza filtri, “Maledistato” riflette sul progressivo assuefarsi alla violenza, alla polarizzazione e al linguaggio dello scontro. Immagini di cronaca, frammenti ispirati alla retorica dei talk show e riflessioni personali si intrecciano in un racconto che fotografa una società sempre più frammentata, dove il dialogo sembra lasciare spazio al rumore. Il contrasto tra una musica coinvolgente e quasi danzante e un testo duro diventa così il cuore del brano, invitando l’ascoltatore a interrogarsi su ciò che siamo ancora disposti a tollerare prima di reagire.»
Puoi ascoltare il brano qui:
BIO Stefano Resta sviluppa un pop d’autore diretto e stratificato, un flusso di coscienza capace di unire sensibilità malinconica, precisione e una “palette di umori” sempre in bilico tra intimità ed energia, in dialogo con la tradizione italiana e internazionale, con una voce intima e cangiante che si muove tra calore e increspature graffiate.
Stefano Resta è un artista pugliese, nato a Corato. Il suo percorso artistico nasce come batterista durante gli studi di medicina; ha studiato pianoforte e batteria nella provincia di Bari e ha iniziato a produrre piccole tracce di musica techno. A Roma nel 2017 inizia a pubblicare come Raesta. Nel 2019 inizia la collaborazione con Vincenzo Vescera con cui dopo il buon posizionamento al Premio Lunezia fonda i RaestaVinvè e pubblica un album “Biancalancia” e un EP “Resto a Sud”. Le collaborazioni in questi due lavori vedono tra gli altri la cantante francese Clio (“Rien ne va plus”) e il partenopeo Francesco di Bella (“Resto a Sud”). Nel 2023 esce il suo primo EP solista “Fuoco di Paglia”, registrato a Ferrara per Alka Record Label. In questi anni calca palchi internazionali (FIMU festival di Belfort come Raesta o Porto Rubino con i RaestaVinvè). A ottobre è prevista l’uscita del suo primo LP che esce indipendente ma con la collaborazione della milanese Costello’s Agency.
“Genova Esotica” è il nuovo singolo di Gabriele Serpe, uscito martedì 15 settembre 2026. In “Genova Esotica”, Gabriele Serpe trasforma la città in un altrove possibile, suggerendo che per cambiare paesaggio non sia sempre necessario partire. Tra elettronica e sfumature psichedeliche, il brano attraversa il bisogno contemporaneo di cercarsi continuamente in luoghi, esperienze e nuove versioni di sé, fino a rovesciarne la prospettiva. L’esotico diventa così uno sguardo: la possibilità di riconoscere qualcosa di inatteso nelle strade di sempre e scoprire che, a volte, sentirsi altrove significa semplicemente imparare a guardare diversamente ciò che chiamiamo casa.
Foto: Gabriele Serpe
Queste le parole con le quali l’artista presenta la traccia: «Quando la patria natia si trasforma in un luogo esotico, gli indigeni diventano “stranieri” perché non si identificano più con le regole e i valori dominanti della società in cui sono nati e cresciuti. Adulti fuori tempo e fuori luogo, uomini e donne che si aggirano spaesati per le strade delle nostre città. L’ingresso negli “anta” e la collaterale crisi di mezza età sono la goccia che fa traboccare il vaso. Ormoni sfioriti, schegge impazzite, sperimentiamo l’urgenza di tornare a mordere la vita. C’è chi trova il coraggio di mollare la presa e voltare le spalle, chi improvvisa tagli, strappi e cambi repentini, ma anche chi si accontenta di improbabili rimedi per guarire dall’insoddisfazione con effetto il più immediato possibile. Dall’impulso sessuale a quello spirituale, il cuore non riceve l’alimentazione di cui avrebbe bisogno e non sa come reagire. Perché a un certo punto arriva il momento di ammetterlo: non è andata come ci aspettavamo e come avremmo voluto. I modelli proposti dalla società non sono più così attrattivi come apparivano un tempo e ora… che si aprano le gabbie e si salvi chi può!»
Puoi ascoltare il brano qui:
BIO Gabriele Serpe è un cantautore e giornalista genovese. L’esordio discografico risale al 2007 con il singolo “I sogni ti danno il pane”. Il primo album “Chi Cerca Trova!” esce nel 2010 ed è accompagnato da un lungo tour promozionale unico nel suo genere: un’azione di cd crossing che ha toccato quindici città italiane e raggiunto migliaia di persone, in collaborazione con radio, clubs, biblioteche e associazioni culturali. Fra il 2011 e il 2015 scrive e porta in scena due spettacoli di teatro-canzone e pubblica il secondo album “Uno”; le sonorità, inizialmente itpop, si spostano verso l’indie rock. Presa la decisione di allontanarsi dalla società per vivere di autosostentamento agricolo, nel 2019 torna in studio con il progetto Zoostat (duo di musica elettronica e canzone d’autore) con cui pubblica l’EP “Cancellature” nel 2021 e l’album “Crash Test” nel 2023. Il nuovo album solista uscirà nel 2026. Fra i tanti progetti extra musica, ha pubblicato due raccolte di poesie e ha fondato e diretto dal 2008 al 2015 “Era Superba” rivista mensile e sito web di informazione su Genova.
“SI BALLERÀ” è il nuovo LP di MET, uscito venerdì 11 settembre 2026. In “SI BALLERÀ”, MET trasforma il viaggio in un movimento interiore, affidando al mare, al vento e alle tempeste il racconto di tutto ciò che cambia mentre proviamo a restare in equilibrio. Tra pop, elettronica e pulsazioni club, il disco attraversa partenze, fragilità e trasformazioni senza cercare un approdo definitivo. Ballare diventa così un modo di stare dentro al cambiamento: seguire la corrente, perdere per un momento la direzione e scoprire che, a volte, è proprio muovendosi con ciò che accade che impariamo a non restare fermi.
Foto: Agnemag
Queste le parole con le quali il cantautore presenta l’album: «”SI BALLERÀ” è il nuovo progetto discografico di MET. Un disco di 10 tracce che unisce cantautorato, pop, elettronica e pulsazioni tech house per raccontare il movimento più importante di tutti: quello della vita. Nasce da una domanda semplice: Cosa succede quando tutto si muove e non puoi più rimanere fermo? “Si Ballerà” racconta quel momento in cui senti che il tempo cambia direzione. Non appartieni più completamente a ciò che eri, ma non conosci ancora la persona che diventerai. È il punto in cui convivono forza e fragilità, paura ed entusiasmo. Le persone cambiano. Gli amori finiscono. Gli amici prendono strade diverse. Nuovi incontri, nuovi luoghi e nuovi orizzonti entrano nella nostra vita. Ogni cambiamento lascia qualcosa alle spalle, ma apre anche uno spazio nuovo da abitare. Il tempo è il protagonista invisibile dell’intero progetto. Scorre, trasforma, divide, unisce. È una presenza costante che attraversa tutte le canzoni, ricordandoci che nulla rimane fermo e che proprio nel movimento nasce la possibilità di riscoprirsi. Il mare, il vento, i temporali e le partenze diventano immagini di questo viaggio. Quando il mare si alza, quando arriva un temporale, quando il tempo cambia direzione, l’unica possibilità è muoversi insieme a lui. Ballare, in questo disco, significa non opporsi al cambiamento. Perché il cambiamento è movimento ed il movimento è vitale. La title track racchiude il significato dell’intero album. “Ora è il tempo, io devo andare.” Non è una fuga. È la consapevolezza che, per continuare a vivere davvero, a volte bisogna cambiare rotta. “C’è un temporale, si ballerà.” Il temporale rappresenta tutto ciò che rompe gli equilibri: una fine, una partenza, una paura, un cambiamento improvviso. Ma è proprio dentro quel movimento che nasce qualcosa di nuovo. Per questo “SI BALLERÀ” non significa che tutto andrà bene. Significa scegliere di attraversare il cambiamento invece di restarne immobili, accettando che ogni trasformazione, anche la più difficile, possa diventare un’occasione per rinascere. Musicalmente il progetto alterna momenti intimi e sospesi a esplosioni ritmiche. Beat elettronici, synth essenziali e pulsazioni tech house accompagnano testi profondi e immagini evocative, creando un equilibrio tra energia e introspezione. È un disco che si può ascoltare in cuffia o vivere ballando. Perché il ballo, qui, non è solo una danza. È il simbolo del movimento. E il movimento è ciò che ci tiene vivi. “SI BALLERÀ” è un viaggio. Un invito ad accettare che ogni tempesta ci porta verso un nuovo equilibrio. Che ogni addio apre la strada a un nuovo incontro. Che ogni cambiamento, anche quando fa paura, ci porta un po’ più vicini a chi siamo. Liberi. Nudi. Sognanti. Si muove.»
Puoi ascoltare il disco qui:
BIO MET intreccia cantautorato pop ed elettronica in un equilibrio costante tra energia e intimità. Le sue canzoni nascono dall’urgenza di raccontare emozioni autentiche – sogni, paure, fragilità, desideri e trasformazioni – mantenendo una forte connessione tra corpo e parole. La musica diventa così movimento, dentro e fuori: capace di far ballare ma anche di fermare il tempo e dar spazio alle parole. “Il movimento è vitale”. Rifugge la forma-canzone tradizionale per cercare uno spazio più mobile, dove introspezione e clubbing convivono senza gerarchie. Le tracce parlano di generazioni sospese tra l’urgenza di sentire e la paura del tempo che scorre. Il movimento e la parola diventano elementi centrali di una poetica che usa il ritmo non solo come spinta fisica, ma come strumento emotivo. Dopo diverse esperienze discografiche e live tra Italia e Spagna e una formazione attenta alla scrittura, MET consolida negli ultimi lavori una visione chiara: la musica come luogo altro, uno spazio in cui sperimentare, perdere l’equilibrio e verificare se si è ancora capaci di provare emozioni forti. Un percorso che unisce istinto e consapevolezza, e che trova oggi nuova forma nel suo prossimo progetto discografico “SI BALLERÀ”.
“A Bitter Flame” è il nuovo LP dei MoMa, uscito venerdì 11 settembre 2026. Nel disco i MoMa attraversano un presente dai contorni instabili, dove certezze, identità e punti di riferimento sembrano dissolversi lentamente. Il disco si muove dentro un paesaggio inquieto, popolato da solitudini, tensioni e figure che faticano a riconoscersi in un mondo sempre più distante. Tra alienazione e perdita di controllo, le canzoni restituiscono il ritratto di una fragilità che non appartiene più soltanto all’individuo, ma sembra essersi insinuata nelle crepe della società. Ne emerge un album oscuro e irrequieto, attraversato da una luce intermittente: abbastanza debole da poter scomparire, abbastanza ostinata da continuare a bruciare.
Foto: Anna Gribovich
Queste le parole con le quali la band presenta l’album: «È una fiamma amara quella che esce dalle note dei nuovi dieci brani dei MoMa, gruppo alt-rock faentino. Uno sguardo disilluso sui giorni nostri, sulle paure e sulle contraddizioni della società che stiamo attraversando. Il tutto condito da sonorità graffianti nello stile della band, al quarto lavoro discografico. Registrazioni in presa diretta, senza filtri, per denunciare al meglio lo stato attuale delle cose.»
Puoi ascoltare il disco qui:
BIO Da 15 anni sulla scena alt rock indipendente italiana, i MoMa nascono tra Faenza e Imola e continuano a “suognare” tenacemente insieme. Negli anni la band ha rivisitato un sound brit-rock classico utilizzando ingredienti derivanti da altre sonorità e ha applicato un filtro personale atto a descrivere i mutamenti della società, del pianeta e dell’interiorità umana. Una formazione che sembra aver fatto della “transizione permanente” non solo il titolo del secondo album, ma anche una vera e propria filosofia artistica e che, con il quarto album in arrivo, raggiunge una maturità “ruvida”, necessaria per raccontare e affrontare un presente così complesso.
“Untitled” è il nuovo singolo di Barone, uscito venerdì 11 settembre 2026. Nel singolo d’esordio Barone percorre una strada senza destinazione, lasciando che sia il paesaggio a dare senso al movimento. Il brano abita uno spazio sospeso, dove lo smarrimento perde lentamente il suo peso e diventa possibilità, apertura, occasione per guardare ciò che prima rimaneva ai margini. Tra una voce intima e una produzione rarefatta, la musica procede senza cercare risposte, affidandosi alla bellezza incerta di ciò che appare lungo il cammino. Una canzone che non prova a trovare la strada, ma impara a stare dentro tutto ciò che accade quando la strada scompare.
Foto: Marcello Messineo Edit: Beatrice Toliusyte
Queste le parole con le quali l’artista presenta la traccia: «Costruire qualcosa per poi vederla crollare, intraprendere strade che non portano da nessuna parte, fare delle scelte nonostante l’assedio dei dubbi. In momenti come questi è facile che la disperazione prenda il controllo, che la fiducia inizi a vacillare. Eppure basta guardarsi attorno per osservare la bellezza che inesorabilmente ci circonda. Una bellezza che è stata creata nelle avversità o, meglio, dalle stesse avversità. Meccanismi ignoti e miracolosi sembrano riequilibrare il modo in cui questa bellezza venga ridistribuita attorno a noi. Non è facile notarli, ma basta un cambio di prospettiva per rendersi conto che, nonostante un’apparente confusione, lì, fuori, è tutto così bello.»
Puoi ascoltare il brano qui:
BIO C’è un momento, poco prima che il suono prenda forma, in cui tutto è ancora possibile. Barone nasce lì. Non è solo un progetto: è una traiettoria. Un organismo in continua mutazione, che si espande attraverso cinque voci, cinque visioni, un’unica tensione verso qualcosa che ancora non ha nome. Le coordinate sono familiari solo in apparenza – echi lontani di Jeff Buckley, Gábor Szabó e Radiohead – ma vengono piegate, dissolte e ricostruite in un linguaggio proprio. Sul palco, Vito Barone (voce, chitarra), Luca La Russa (basso), Andrea Ardizzone (tromba), Andres Zanoni (chitarra) e Andrea Chentrens (batteria) non eseguono: evocano. Trame sottili si aprono in improvvise vertigini ritmiche, melodie che sembrano sussurri diventano onde che travolgono. Ogni brano è un confine che viene attraversato.
“Same other ways” non è solo un album. È un passaggio. Nove tracce, in inglese, che non raccontano: rivelano. Frammenti di inquietudine, visioni notturne, crepe da cui filtra luce. Un percorso umano che non cerca risposte, ma lascia segni. Barone non sta cercando di appartenere a un suono. Sta costruendo qualcosa che, presto, gli altri cercheranno di inseguire.
